达.芬奇的《蒙娜丽莎》呈现在世人面前的是一位美丽而优雅的十六世纪贵妇的形象，温柔而宁静的眼神，嘴角带着迷人的微笑，流露出一种超凡脱俗的气质。站在这幅作品前，无论从哪个角度看观众都能感受到蒙娜丽莎迷人的微笑。

画面中的人物背景，达.芬奇利用他对光学的研究和观察，在创作的过程中除了景物的透视关系，他还考虑到空气对景物的影响，开创性的运用空气透视法表现了远处的山崖、蜿蜒的小路、石桥、森林与河流。画中的景物由于透视的关系画家把它们推向远处，画家用晕染的方法来表现自然界的景物及阴影。远处的风景随着景物的延伸线条越来越不清晰，色彩也逐渐模糊，逐渐消退。天边的云霞笼罩在山林上，霞光晕染的山林和远处的景物仿佛被笼罩在薄雾里。

这幅作品的人物背景烘托了整幅作品宁静祥和的气氛。画家不仅运用明暗关系表现光线的变化，还利用阴影塑造人物的空间感使得人物更加丰满，更加立体，人物栩栩如生，跃然纸上。画家以这种方式突出了“蒙娜丽莎”的形象，同时给人以一种宁静致远的感觉。让人感到山水之间的蒙娜丽莎可谓“无为自化，清静自在”。

在达.芬奇画《蒙娜丽莎》时，他精心地进行构图，如果我们还用斐波那契曲线求证他的画面构图，我们还是从人物的鼻子处为中心点，进行黄金分割，连接内切圆由左向右侧画一条弧线，我们能得出同样的结论，画面比例都处在黄金比0.618 :1的数值上，由此可见达.芬奇进行创作时，画面中各部分的比例，都经过了认真的计算。

画家创作了两幅名为《岩间圣母》的祭坛画来表现《耶稣受洗》的故事。两幅作品表现了达.芬奇的人文艺术思想和艺术理念，内容和主题完全一样，只是在人物细节上稍有差距。

两幅《岩间圣母》，画家都是把人物置于嶙峋的岩石洞穴中，营造了一个庄严而神秘的气氛，四个人物以稳定的三角形构图为基础。画面中的四个人物以世俗形象为蓝本，圣母玛利亚面露慈爱之情，一只手扶在约翰的后背，另一只手伸向耶稣表露出对耶稣的爱，坐在耶稣旁边的天使安详地看着他们，圣母玛利亚、天使、约翰和耶稣的表情与手势互相呼应，画中的场景充满了人文气息。

达.芬奇在人物背景的处理上采用透视法表现岩石和洞穴，画家利用光影效果塑造了很强的立体感，远处冷色调的山崖笼罩在月光下，背景中的山崖呈现出雕塑一般的感觉，显得群山庄严而宏伟，烘托了画面的庄严的宗教气氛。

达.芬奇的代表作《最后的晚餐》是达.芬奇对透视学应用的最佳体现。这里我们重点的分析这幅作品的透视与构图。画家按照中心位置透视的方法构建了这幅作品的灭点。画面两侧各画一排整齐的方形门，屋顶由网格构成，画面的背景是三扇长方形窗户，它们严格按照几何形状排列，所有的透视都汇集到同一个中心灭点上。画中的窗户、拱顶和屋顶的网格构成形成了建筑空间完美的对称，《最后的晚餐》是一幅典型的对称构图的作品。

画面中心的灭点决定了整个画面的深度，严格的几何构图和画面的黄金分割比，凸显画面的空间感，这些都遵循了严格的透视理论。这种中心位置透视法在文艺复兴时期被很多的画家应用过，这也表明透视法在这一时期被艺术家广泛的认可与接受。

画家在背景中画了三扇窗户，窗外是蓝天白云下的远山风景。达.芬奇利用窗户巧妙地分割了内部与外部的空间。窗外远处的风景宁静而美好，与室内耶稣和十二门徒之间的诡异猜忌的气氛形成鲜明的对比，窗外的风景成为画面的重要组成部分。

画面中的人物以耶稣为中心，以餐桌为依托呈左右对称分布，人物关系与空间关系和谐统一，很好的体现了画面的透视空间，屋顶的网格图案突出了空间的深度，使画面更加富有立体感。观众如果站在米兰圣母感恩教堂的餐厅里观赏这幅作品就会发现这幅《最后的晚餐》和整个餐厅融为一体，餐厅的空间向后延展，形成了完美的视觉空间。

达.芬奇在进行绘画创作时严格按照数学方式呈现艺术之美，他把自然、解剖学、艺术和数学完美的结合在一起。他在艺术创作中不仅有理性的思考，也有感性的美，理性与感性美交织成一体，他把艺术和科学知识完美的结合起来。

文艺复兴运动的开展推动了人文、艺术与科学的相互交融与发展，以阿尔贝蒂、弗兰西斯卡和达.芬奇等为代表的艺术家为人类做出了突出贡献。文艺复兴运动促使意大利的社会发生了巨大的变化，人们的思想也随之改变，人们对科学的认识也越来越深入。受意大利的文艺复兴思想的影响，欧洲各国开始接受这种文化新思潮，也推进了整个欧洲大地的文化和科技的发展，欧洲真正的文艺复兴的鼎盛时期到来了。